LOS NIÑOS PESADOS
Heavy metal en el incipiente camino
Gauchos de Acero – Sigue la ruta (RS Discos - 2011)

Quien no supo de ellos en algún momento de nuestras cotidianas vidas. Sea a través de la televisión, sea a través de los nuevos medios interactivos. Estos ignotos niños, convertidos por el paso ineludible del tiempo en relucidos adolescentes, se dieron a conocer universalmente por el año 2006. “Desde Salta para el mundo” podría rezar un efectivista slogan. La inocente y desinteresada estrategia consistió en subir videos caseros a internet donde el trío versionaba a Iron Maiden, Sepultura y Black Sabbath, entre otros famosos números metaleros. El resultado es bien conocido, siendo el hito más grande que la movida rockera local pudo alguna vez vivir. Como se lee en diversos portales electrónicos, Gauchos de Acero es una “banda formada por niños, que componen y tocan como grandes”. Protagonizada por Emilio (guitarra y voz), Agustín (batería) y Martín (bajo y coros), esta inusual historia de nuestra centuria continúa tras una serie de presentaciones en vivo (algunas televisadas a nivel nacional), contactos que cualquier fanático del género ni en sus sueños juntó, y un primer esbozo discográfico llamado “Sembrando el Metal" (2008).

Sigue la ruta es la segunda placa que, tras años de vivencias y forjada experiencia, incita el ingreso de la banda a un aparente período de profesionalidad. Durante su compacta grabación en el estudio Sueño en Gotas, las 15 canciones obtenidas están inscriptas dentro del heavy clásico, aunque con retoques de death metal y oscuro rock. Con una lista de obvias influencias musicales, envueltas siempre entre calaveras y cadenas, las composiciones no se alejan demasiado de los estándares previsibles (“Devorando rutas” o “Lucha criolla”). Los tradicionales riffs y acoples dirigidos, algunos acordes abiertos (“Sigue la ruta”, o la encubierta en melodía pop “Sin rencor”) mas esmerados solos de guitarra, dirigen todo el tándem en un creciente estado de virtuosismo. Algunas baladas como “Murales” o “Ruidos del alma” bajan unas velocidades, intentando evitar la monotonía propia de toda ruta interminable. Acompañado por sobrias bases en bajo, baterías a doble bombo (algunas desajustadas) y voces ultra clásicas, el sonido del álbum se mantiene dentro de los límites metaleros. Distorsión bien cuidada.

En el transcurso del álbum, y como colorido rasgo de identidad sonora, se percibe una imagen marcada por lo autóctono con ritmos y rasguidos de músicas populares en clave norteña. Temas como “Sigue la ruta”, “En mi pueblo” o “Salamanca” ostentan compases y acercamientos folclóricos, sin dejar de lado la fuerte naturaleza heavy. Aventurada costumbre aunque con la licencia propia de las bandas del interior argentino. Autorización que brinda la posibilidad de travesear en casa con tus propios juguetes y ser aceptados como originales en la extranjerizante escena nacional. Incluso si se hace por una mera imagen resultadista, tocando solo de oído. Marketing metalero que se transforma en incógnita a develar en estos neo gauchos de la era tecnológica. Hoy los hermanos Jorge se dieron cuenta de que ya no son niños. Atrás quedaron los impresionables shows amateurs para millones de cibernautas y los quince minutos de fama. Hoy los adolescentes de acero, vestidos de negro y subidos a feroces motos choperas sobre el asfalto, buscan dar señales de madurez.

Federico Rodríguez Lescano

Más información en www.myspace.com/gauchosdeacero

SOLITARIO CANCIONERO
Sombrío (y virtualizado) rock argentino
Víctor LA HIENA Conti – Criando Cuervos (2011)

Musicalidad ermitaña. Enfrentarte solo a todos tus instrumentos para componer y registrar sin ayuda humana. Víctor Conti, alias La Hiena, parece estar acostumbrado a esto de sentarse mano a mano frente a una computadora para concretar ideas musicales. Su anterior trabajo discográfico, "20 canciones de mierda y una PC", lo incita desde el título. De la mano de Altopulso Grabaciones Caseras, el músico salteño trae a escena un nuevo compilado de autómatas producciones y nos enfrenta a una gran incógnita ¿Se puede tener una banda de rock en formato virtual?

Criando Cuervos, la nueva placa independiente de libre descarga, contiene 11 canciones que destilan genuino rock argentino. Género que se viste de mil colores y texturas a lo largo de su historia. Con reversiones a su ex banda, Anguila Macabra, más un cover a The Animals, Conti despide diversas influencias de lo nacional en su prolífica escritura. Con un acercamiento oscuro y bien por debajo de la superficie, se percibe una especie de travesura sonora. Es el ingreso a un mundo de recreación musical, donde estilos “adversarios” en la gran novela del cancionero argento, se entrecruzan para derribar añejas dicotomías. El rock clásico, potenciado en feroces guitarras, se amiga con bases modernas y excéntricos sonidos electrónicos. Automatización rítmica, propia del pop más selecto, en un contexto de rebelión e introspección lírica.

Entre el crudo rock que erupciona sin cesar, y con registros de voz discontinuos, la fina melodía siempre dice presente. En el pasar se nos sorprende con un sombrío pasaje country, digno exponente ambiental para cualquier film western (Caer Nomás). La memoria se instala en un lúcido Alejandro Sokol a plena luz de velas (Despertar), mientras que un alternativo Richard Coleman, de Los Siete Delfines, parece deambular sin permiso (Solapadito). Otras imágenes nos acercan a unos resucitados Caballeros de la Quema queriendo pegar una vez más en la radio (Aliviando al Mono), o a ese liviano “nuevo rock argentino” de los 90 (Mear Iguanas). Nos cruzamos con alcoholizados intentos de pop punk (Buscándote en el Techo), con unos Piojos sampleados en rabia funk (Es tu Fe), y con exquisitas tonadas en formato acústico (Estupidez). La programación digital de compases, más un profundo uso de sintetizadores y efectos, nos hace imaginar una asociación de músicos virtuales a domicilio.

El trabajo de mezcla final es inestable. Lo descuidado, con excesivos segmentos de dejadez instrumental, se observa con plenitud en desafortunadas ejecuciones. Contra una estandarizada visión de lo correcto, estos altibajos en realidad añaden distinción al sonido casero de garaje. En cuanto al mensaje textual, nos remitimos a viejas palabras de La Hiena en su época macabra. "Las letras tienen un -yo lírico- disconforme con todo. En algunos temas hay apología a las drogas y no es metafórica. Pero las letras no son así porque escriba pensando en las drogas sino que tomo anécdotas de la gente y me hago cargo en primera persona". Con un par de años y experiencias más, Conti se muestra como una persona que mira la realidad desde los otros, aunque afectando lo propio. Una persona que desde múltiples influencias musicales, tal vez inconscientemente, se nutre hacia una verdadera búsqueda compositiva. Una persona que desde su yo absorbente, oscuro, solitario y hasta virtual, recrea parte del extenso cancionero rock argentino.

Federico Rodríguez Lescano

Más información en www.myspace.com/victorcontilahiena

EFECTIVA CUADRADEZ
Cotidianeidad y simpleza rock´n´roll
Perro Ciego – Pelafustán (2010)

Perro Ciego, la banda de rock salteña más conocida, publica su cuarto disco oficial. Superando dos décadas en trayectoria, Vega, Zenteno, Dique y Aguilera traen a la vida una nueva producción, grabada en los estudios locales "El Cerro". Esta vez, con edición física y posterior distribución, a cargo del galardonado sello EPSA Music. Tiempo atrás quedaron los cassettes grabados manualmente y la prensa a pulmón. Signos incuestionables de avance y madurez profesional. Lo que nunca quedó atrás es el macro género musical transitado. Ese estilo fuente que tanta satisfacción provoca en corrientes enteras de fanáticos, tanto de viejas épocas como contemporáneas. Simplemente rock´n´roll, cuadradito, sin tantas vueltas. Signos de quietud y relajo que, de tanto rédito emocional y efectividad en el gusto popular, mejor dejarlos como están. En un arcaico diccionario encuentro que el título del álbum hace referencia a una persona holgazana y perdida. Cualquier inmediata analogía con la realidad de la banda, es solo pura subjetividad.

Pelafustán, en el plano musical, es como una clase académica de rock tradicional. Con un filtrado de años en la mejora del dictado, aquí se instruyen a fondo los estilos básicos de la música originaria. Entre las diversas cátedras se encuentran el obligatorio blues en todas sus velocidades (Cenizas), el relajado country americano (Dejó de Llover) y una televisiva explosión boggie (Boggie del Café). Todas ellas, bien profesadas, se interrelacionan aquí con un toque de funk en actitud clásica rockera (Pelafustán, no tengo groove). No podemos dejar de lado los apuntes manuscritos del rock stone argentino (Amanecido). Tan fuerte hace unos años gracias a una oleada de bandas que, lamentablemente, nivelaron la escena nacional para abajo. Los grandes compositores teóricos como BB King, Rolling Stones, Eric Clapton, Ratones Paranoicos y Pappo se interpretan sin demasiada reflexión personal, logrando cumplimentar las exigencias de la currícula.

Las letras del disco, llenas de cotidianeidad según el cantante Dique, retratan estilos de vida comunes. Identifican a la gente común, si es que realmente existe algo así. Historias personales que buscan un cambio que nunca llega, o que internamente no se busca conseguir. Tipo de existencia que no quiere ligarse a nada, sino solamente existir. Un verdadero pelafustán. Hay una especial dedicatoria en prosa a Federico Acosta, fallecido ex integrante. Una balada rock con influencias a un despojado Tom Petty, que resalta más que ninguna otra composición tanto en simpleza como en recuerdo (Estabas Ahí). Con el acompañamiento de varios músicos invitados, entre ellos Mario Teruel de Los Nocheros en guitarra española, el sonido de la banda se encuentra depurado y ajustado en su conjunto. Voces, primeras guitarras y rítmicas (categorización aún vigente), bases e instrumentaciones que llenan el espacio, como pianos y armónicas, son enmarcadas en un todo donde no hay margen a dobles lecturas. Es rock tradicional, cerrado, cuadrado. Y para quien se sienta identificado con él, muy efectivo.

Federico Rodríguez Lescano

Más información en www.perro-ciego.com.ar

TESIS DEL SUCIO POP
Grito joven en clave alternativa
Bort – Bort EP (2011)

El canto de una numerosa hinchada apocalíptica, aunque no tan pesimista, nos grita que el mundo se va a acabar. Y que todo va a resurgir, pero mejor. Se trata de la ingeniosa aunque desorbitada introducción del primer trabajo discográfico de Bort, una precoz banda de rock y pop salteña. Precoz por su tiempo en la escena local, como así también por la edad promedio de sus integrantes. Emiliano y “Tote”, dos ex-Teddy Krueger, junto a Juan y Leonardo componen este apretado combo que nos trae sus primeros intentos de registro en estudio. Antes conocido por sus constantes perfomances en vivo, que tributa siempre a la escena alternativa actual (y no tanto) del mundo, Bort nos sirve de ejemplo para mencionar una repensada hipótesis. Una teoría común que nos dice que de tanto proyectarse en covers, no es muy difícil imaginar hacia donde apuntará un grupo en sus iniciáticas composiciones originales.

Bort EP es un disco de indie rock, sucio, desprolijo, con mínimos rastros de pop delicado. Es alternativo en la concepción de sus estructuras rockeras, y lleno de trabajo a conciencia en sus melodías pop. Su sonido se caracteriza por guitarras ásperas y suaves pero en el lugar adecuado, por ritmos precipitados aunque no siempre tan ajustados, y por simples líneas graves que comandan todo el andamiaje. Las variadas influencias americanas e inglesas son indudables. Desde la resonancia stoner de los Arctic Monkeys (Entradas Agotadas) hasta el toque newyorkino de garage rock (Mentira), se transita por paisajes de exquisito pop noventero a lo Pavement (Control Remoto). Hay un homenaje al clásico “Boys Don´t Cry” en una canción bañada de esencia retro a lo Banda de Turistas (Rockero), y lo mejor está en el cierre; Indie rock envuelto en latente herencia británica con armonía beatle (Cagada). Las letras tienen un perfil disfrazado de inocencia, con alusiones al fuerte sedentarismo actual y las grandes decepciones pre-adultas.

Lo contra alternativo. Las mezclas finales y los ajustes sonoros de las voces son inconsistentes, provocando molestia a sensibles escuchas. Repetidas desafinaciones vocales, algunos desfasajes rítmicos y una aparente desinteresada postproducción se podrían estar aprovechando de la célebre etiqueta “indie”. Esto, más que por ingenuo y corregible error, quizás por mera habitualidad o dejadez juvenil. O acaso se trate de una apuesta ideológica como totalidad, en la concepción y producción del mini álbum. Llena de actitud alternativa. La grabación y mezcla se llevó a cabo en estudios portátiles, y una parte más en el estudio El Tridente de Enrique Albarracín. Una falla de cohesión en la producción artística total, pero que define el contexto económico del músico independiente. Músico que intenta grabar sus producciones como sea. Bort EP puede ser considerado un demo de garage rock, o un EP de pop sucio. Esta tesis variará según el estado de ánimo de quien se acerque al recibir estos enérgicos gritos adolescentes.

Federico Rodríguez Lescano

Más información en wn.com/bortsinapellido

EH, PRIMO
Aleatorio metal tucumano
Random – Prrimo, The. EP (2010)

Hagamos la tarea primero. Random es una banda independiente de metal nacida en San Miguel de Tucumán. A principios del 2009 se consolida como trío. Esta integrado por Raúl García Posse, Pablo Lamela Bianchi y Marcos Crosa. Su primer trabajo discográfico llamado “Prrimo, The.” es un EP que consta de tres temas y está producido por Ramiro Rodríguez. Con una duración total de 22 minutos, se publica físicamente en el año 2010 con arte de Incoma.

Conexión, libre expresión, innovación, proyección, virtuosismo, profesionalismo. Son algunos términos que acuden a la mente cuando intentamos entender este ambicioso proyecto metalero. Para ir comprendiendo más, tendremos que acercarnos a sus influencias más reconocidas como Mastodon, Tool, Meshuggah, Deftones y The Mars Volta. Tratamos entonces con un grupo que transita el metal progresivo extremo, pero que también se muestra en las extrañas bateas del tecno metal, el math rock y el rock progresivo.

Grabado, mezclado y masterizado con una calidad sonora insuperable para la región (de forma artesanal e independiente), Prrimo, The se adentra en los mandamientos básicos del heavy, pero con una desarrollada apertura mental en sus composiciones. Hay riffs digitados geométricamente en un caos inmanejable, hay buen gusto en la selección de melodías, y hay una cobertura de ritmos, tempos y quiebres para escoger a discreción. Si bien la duración de las canciones es extendida, en la vorágine que transita el tiempo se vuelve imperceptible. Por momentos, fuertes guitarras trash de García Posse nos sacuden y en instantes, todo se rebaja a una liviandad cercana al hard rock alternativo. En otros pasajes, el bajo de Lamela Bianchi revienta en sonidos tapping (golpes a dedo pulgar) para luego encajar al trío, de lleno, a una especie de King Crimson metalero, que jamás pudo apagar sus módulos de efectos más rugientes. Nos encontramos aquí con mucha distorsión, pero también con la suficiente inteligencia para saber donde ubicarla. Es música oscilante, que fluctúa en formato metal.

Entre los factores más humanos de Random, el virtuosismo instrumental de sus integrantes es abrumador. El mayor crédito se lo lleva Crosa, un baterista con una técnica superior, idéntica en destreza, fuerza y prolijidad. Las voces de García Posse aquí son principalmente guturales, pero para no quedar atrás en la búsqueda sonora, también hay espacio para las voces más limpias y rockeras. En este campo se recurre íntegramente al idioma inglés, dada su fácil y flexible pronunciación, mientras que las letras recaen en una especie de pesimismo inconsciente, propio del género oscuro. Random es una banda de metal de Tucumán con otro fundamento. Como su nombre lo expresa, llena de azar y comportamiento aleatorio.

Federico Rodríguez Lescano

Random se encuentra próximo a editar su primer LP “Todo.s los colores del”. Más información en www.randomtuc.com.ar

SEMILLA ANDINA
Raíces reggae del norte
La Yugular Reggae – Plantate! (2010)

En la generalizada voz actual, el clásico reggae argento se esta envolviendo (erróneamente) con el repetitivo y rimado término “reggae lover”. Esta gloriosa fórmula, impuesta gracias a la popularidad de hits radiales, se plasma en un estilo donde los sonetos de amor para conquistar el corazón son la pauta; Donde los posibles negociados por doblajes en formato tropical son la regla. La Yugular Reggae es un grupo oriundo de Jujuy (Perico y San Salvador), que textualmente propone “una identidad propia de nuestra región, acompañada de un mensaje en la lírica, que habla de todo, de lo social, de nuestro paisaje”. Es decir, una fórmula reggae diferente que propone la posibilidad de un acercamiento contestatario, comprometido con la lucha por lo propio, inculcado desde géneros musicales como el roots y el dub.

Plantate!, álbum debut de la banda, fue grabado en los estudios Hem de Jujuy y en los estudios El Borde de Córdoba. Al momento de registrar, Horacio Roel, Galo Maidana, Demián Salerno, Milton Colque, Sergio Saracho, Roberto Pedicone, Lucas Russo y Gabriela Quiroga fueron sus miembros oficiales. El alto número de integrantes, ya una condición habitual en muchas agrupaciones de reggae, se debió a la inclusión y explotación del uso de instrumentos andinos como quenas, sikus, flautas, zampoñas y zankas. El as bajo la manga de este armazón norteño.

Al desmenuzar el álbum nos encontramos con melodías pegadizas, optimistas (Mensaje, Vibrazion) y una inquebrantable regularidad rítmica. La uniformidad en las bases, propias del estilo jamaiquino, y la notoria presencia de elaboradas rimas, enmarcan el disco dentro de los límites de lo correcto. Hay reggae roots bien logrado, retazos de ska (Tratan) y ritmos dub que profundizan hacia adentro (Pachacuti Dub). Si bien es un elemento muy distintivo, en la mayoría de esta producción los instrumentos andinos no encuentran su auténtico valor. No es posible respirar toda el alma musical de la región a través de los mismos, ya que la composición de diversas incursiones suena más acertada en imaginarios saxofones o trompetas. Las letras, en contraparte a lo anterior y escritas con mucha energía y conciencia de unidad, remarcan la lucha andina, el respeto y la inclusión de los pueblos originarios. Siempre con poesía directa y explícita.

Influenciados por Ricardo Vilca y Tomás Lipán, la cuota con verdadero “reggae andino” logra quedar representada en canciones como “A Cielo Abierto”. Grabada en conjunto con Raly Barrionuevo, el todo se centra en un cuidado reggae-carnavalito reforzado por su mensaje en contra de la minería insostenible. Otro buen caso esta plasmado en la baguala dub “Triste Noche”, cantada por Juan Acosta de La Gallega (un doble, a media cocción, de Ricardo Mollo). Una canción popular que aprovecha todos los matices del sonido andino del norte, con vientos y voces nativas que buscan ser escuchadas. Plantate! es el primer brote de la Yugular Reggae, es la semilla andina que se injerta en tierra reggae. Solo falta más agua para hacerla crecer en plenitud.

Federico Rodríguez Lescano

Más información en www.myspace.com/layugular_reggae

FOLK DE ACÁ
Sorpresas de media tarde
New Rusia a la Vinagrèt - Esta Siesta MM (2011)

“Cerrillan folk”, así se denominó durante una risueña entrevista al género musical que transita este nuevo grupo salteño. Algunos de sus integrantes, oriundos y/o residentes del cercano departamento limítrofe a la ciudad, decidieron darle desde el iniciático 2011 un original toque al asunto. Mezclando la amplitud de sus influencias rockeras y familiares, mas un enérgico sentido de pertenencia a los pagos, New Rusia a la Vinagrèt es en definitiva, música folk hecha desde Cerrillos para el mundo. Desde el origen se insinúa que es un proyecto “honesto y compañero que pide no ser guardado en cajones”, y que nació de la necesidad de musicalizar el día a día de nuestras frágiles vidas. New Rusia es en teoría un quinteto formado simplemente por Horacio, Rupert, Facundo, Jordi y Nicolás, emergido de diversas agrupaciones y afinaciones propensas a lo indie. Luego de haberlos contemplado en un par de vívidas presentaciones al patio libre, me senté con el debut discográfico de la banda y para mi (gran) sorpresa, me encontré con otras más.

Sorpresa uno. Un austero puñado de 7 temas que llenan una suma total de 13 minutos. Urgencia punk si existe algo llamado así. Como si quemaran en sus manos, parece que decidieron juntar una serie de acústicas canciones y las expulsaron en un mini álbum editado en forma independiente por Lugones Records. Breve grabación casera que se puede conseguir en las disqueras bien amigas.

Sorpresa dos. Esta Siesta MM no se trata de una producción con todo el andamiaje encima, con todos sus instrumentos chocándose al unísono. Se trata más bien de una obra íntima, solitaria, donde su cantante acompañado de un áspero guitarrón y unas bellas voces en segundo plano, forjan el espíritu final con letras que se disipan rápido entre el desencuentro, la pérdida, la espera y la redención.

Sorpresa tres. El acabado trabajo de la voz en su conjunto, me recuerda el registro de los Animal Collective en Sung Tongs. Canto en low-fi, pero con un ingenio y un sello sonoro que crea armonías y cortes sin desperdicios.

Entre sus canciones, Agosto Remil Mal es la cadencia arrastrada. Cadencia propia del sonido folk americano noventoso que gente del sello Geffen, como Stephen Malkmus, supo poner en la historia de lo alternativo. Charlove y Seco, son momentáneas baladas en modo arpegio que transpiran horas y horas de escucha Beatle, con fuertes reminiscencias a los quebradizos ensayos del fallecido Elliot Smith. Guau Wau es el muchachito Beck escuchando el Magic Mystery Tour. No Puede Pasar Más Rápido nos trae el otoño primaveral, una alegría melancólica, que con la ayuda de palmas up beat levanta el ánimo a cualquiera. Es una pequeña pieza pop punk con un riff tan pegadizo, que re-grabado con una base más usual bajo-batería, pegaría alto en cualquier radio de rock.

Las influencias son muchas, de afuera como locales, pero el resultado es propio. Personalidad y honestidad sin estirarse a moldes regidos por lo correcto. New Rusia a la Vinagrèt, con su estética y descuidado sonido particular, es música que sale de adentro. Es música hecha en la siesta salteña para el mundo. Esperamos más sorpresas.

Federico Rodríguez Lescano

Más información en www.myspace.com/newrusia

CAMBIOS CONTINUOS
Un mundo audiovisual en DVD
Gardenia – UMMO (2011)

Gardenia, desde que recuerdo, ha sido una banda en constante movimiento. Desde sus precoces inicios hasta la fecha, solo Iván Luis continúa en la travesía como miembro formal y estable. El resto llegó, o dejó su huella, aportando cada uno desde su única visión. El plano histórico-musical del ahora quinteto también ha sufrido los avatares del tiempo, de la intranquila influencia, y del cada vez más complejo proceso creativo. El folklore, que manoseaba algunas estructuras, ya no tiene la presencia de años anteriores. Gardenia siempre ha sido un grupo inquieto, desde la innata concepción de sus presentaciones en vivo hasta la forma en que dispara al mundo sus composiciones.

En UMMO, su nuevo agrupe de canciones editadas, el cambio se dio esta vez en el formato. Se abandonó momentáneamente el habitual y se pasó al DVD, quizás con una impaciencia propia de mostrar visualmente todo lo que la banda ha sabido integrar en su nueva naturaleza. Con la ayuda ejecutiva de artesanos como Quique Silva, Diego Mamaní Di Giuseppe, y Bernardo Rodríguez Berri entre otros, el cortometraje presentado registra una completa sesión de grabación llevada a cabo en el ya reconocido Estudio EKO. Una sesión casi en vivo que nos muestra al grupo rodeado de una gran amiga: la imagen, propia y cuidada, que nos da cuenta del estado actual del porte artístico de la banda.

En lo estrictamente musical, luego de haber producido arduamente por meses su disco debut (Invocación a los pájaros - 2009), aquí se respira menos detallismo en el corte final de las canciones. Con menos arreglos o extraños sonidos post-mezcla, UMMO es en parte una oda al fuego que nace cada vez que Gardenia decide pasear sin permiso por momentos únicos de sus shows. Allí donde nadie reclama que se regrese a tierra firme, en el medio de jams y sutiles instrumentaciones. Por otro lado, UMMO también es la apreciación de la composición en su estado más puro, donde se percibe la crudeza misma de la ejecución de los músicos, siempre con una volatilidad latente.

La obra esta compuesta por dos temas, Ummo y Un Punto Azul, el primero conteniendo tres partes propias en sí mismas. Gardenia aquí se pasea por el blues, a su excéntrica manera, con un cantante mostrando su faceta crooner, como despertando almas en un café-bar gastado, mientras el guitarrista Pablo Moreno pide pista y sus cuerdas se apoderan de todo. Se avanza y se transita el power rock, cada vez más pesado en la interpretación conjunta con efectivos riffs que desatan furia, llenándonos de vorágine visual. Las líneas graves de Sergio Caram, una sincopada base de Adrián Chocobar y los suaves sintetizadores de Adrián Moroni nos retrotraen de vuelta y nos elevan a un refinado blues de la era digital, esta vez con el invitado acompañamiento del clarinetista Federico Torres. Finalmente, el corte de difusión (Un Punto Azul) se percibe como un resabio del disco anterior, donde el math rock digitado por números imperfectos, lleno de mareo y desequilibrio, van tejiendo melodías en toda su combinación sonora.

Gardenia vive el cambio. UMMO, un nuevo mundo audiovisual ideado como una aparente necesidad de mostrar el presente, nos da lo último que muy pronto será pasado.

Federico Rodríguez Lescano

Más información en www.gardeniaespacial.blogspot.com

VUELTA POR EL UNIVERSO
Música indie espacial
Falcon Series – Syneidesis (2011)

Vamos a las fuentes. “Falcon Series es el retrato de una de tantas historias cósmicas acerca del encuentro de frecuencias de luz en sintonía infinita. Y como todo evento de almas, el arte se hizo presente como el sendero a recorrer, la respuesta de las preguntas, el puente entre dimensiones”. En un plano más terrenal, Falcon Series es a simple vista un dúo compuesto por Augusto Salazar y José Salse que desde el año 2008 viene forjando elaboradas estructuras musicales, y un concepto ideal bastante personal en la ciudad de Salta. Un lúcido dúo que se encarga de todo. Desde las guitarras, bajos, la programación, percusión, voces, efectos y teclados; hasta un universo visual generado de imágenes y particulares textualidades. Un verdadero combo artístico DIY (hacelo vos mismo) que busca, según propias palabras, su propio sonido a través de la constante composición. A la fecha poseen editado un EP, Cymatics (2010), que nos da un exacto adelanto de su primer larga duración. Syneidesis, publicado en mayo de 2011, es un compacto álbum compuesto por 10 temas y con un arte de tapa realizado por Abraham González. Ambas grabaciones, editadas por Aruca Labs Records, están disponibles para su descarga gratuita en los sitios virtuales de la banda. Una postura anti-comercial que va de la mano de las licencias Creative Commons, un tratado internacional donde los músicos se ponen de acuerdo para que su arte, su música, llegue libremente al público y así sea escuchada.

Syneidesis es una selección de viejas y nuevas canciones instrumentales que ven la luz transitando estilos como el post-rock, el shoegaze y el ambient nugazer. Géneros musicales totalmente desconocidos para la escena local. Gestado desde computadoras y dispositivos electrónicos, sus hipnóticos temas denominados en inglés -proyección hacia el extranjero tal vez -, están envueltos de serenidad y un toque de soledad. Fuerte introspección auditiva, donde una posible carga de influencias de artistas de la talla de Tycho o Boards of Canada se puede percibir en la atmósfera. El respeto y cuidado por las armonías forjadas desde muchas voces sintetizadas, y que jamás lastiman al oído, hace de este disco un viaje placentero por confines de galaxia no conocidos. Electrónica distendida, cargada de drones, que por momentos es corregida de forma abrupta por inteligencia rítmica, logrando evitar la creciente distracción mental propia del sonido ambient. Una gran perla del álbum es Amigos de Jim Sullivan, tanto por su arreglo en las líneas melódicas y en la selección de osciladores, como por su ajustada base en sintonía con el todo.

El disco, lleno de estructuras sonoras, esta rondando entre nosotros y su concepto ideal es la “exploración del universo sobre el único transporte capaz de trascender: la música”. Tal cual lo hacían Cerati y Melero hace unos años en Colores Santos, Falcon Series hoy te lleva de paseo. Un grupo que en instancias de debut musical, tiene un ADN bien definido. Un dúo que sabe lo que quiere y que, en su aparente soledad, lo esta haciendo.

Federico Rodríguez Lescano

Descarga gratuita y más información en www.falconseries.com.ar

ELECTRICIDAD LATENTE
Chané - 4 misceláneas eléctricas y algunas tormentas ocultas (2010)

Bajo el alias de Chané, el multiinstrumentista Mario Cheda regresa con un nuevo mini álbum tras la edición del boxset de 4 EP’s llamado Colección Deluxe Perfumada (2009). Un artista que, radicado por varios años en la ciudad de Córdoba y ahora establecido nuevamente en Salta, buscó siempre experimentar con elementos sonoros y oportunidades digitales al alcance de su genio. Acompañado de sus guitarras y su computadora portátil, decidió no quedarse quieto nunca. Es por eso que el material que produce a diario y a lo largo de su historia no deja aristas de sorpresa cerradas en ninguna ocasión. Si bien incursionó en su discografía por diversos formatos, como por ejemplo “el modelo canción” donde sumó su propia voz, en esta nueva sesión de seis temas se concentran principalmente sus matices más electrónicos. Masa sonora difícil de digerir por muchos, pero con una abstracción y dedicación de composición tan alta, al punto de compararse con trabajos de colegas del sello alemán Kompakt. Ambient y microhouse producido entre clips & cuts de corte experimental (Minimal, Dimensión, Grandes Ciudades y Entonaciones), y el agregado de dos intervenciones mas crudas donde las seis cuerdas toman la dirección (Sin Sentido y Primer Momento). Estas últimas piezas connotan una explosión desgarrada y una implosión apaciguada, muy internas en el músico, demostrando que aún hay un fuerte componente humano escondido entre tanta posible frialdad tecnológica. “4 misceláneas eléctricas y algunas tormentas ocultas” no es su producción más accesible hasta la fecha, pero marca el estado de musicalidad en que Chané se encuentra actualmente. Habrá que esperar el nuevo paso y decidir si salió del temporal o si se siente más seguro dentro de él.

Federico Rodríguez Lescano

Chané se va a presentar en vivo el próximo 16 de Septiembre en la Sala Mecano de la Casa de la Cultura, Caseros 460. Más información en www.myspace.com/chanemusica

Para bajar el EP: http://www.mediafire.com/?8lc5d846w2vqdda

Droga de Diseño Dub
Viajes anfetaínicos en slow tempo
El Barco del Abuelo - Siete Sentidos (2009)

¿Reggae tradicional hecho en Salta? No lo creo. Siempre que se habla de El Barco del Abuelo, y principalmente de sus tan llamadas “tripuladas, oceánicas y navegantes” presentaciones en vivo, se sabe que son el referente de música dub en Salta desde el año 2003. En un perfil de red social se lee que el grupo formado en la capital salteña suena “como lo que hacemos”; Una repetida frase que además de ponerte a buscar información de primera mano sobre que géneros musicales incursionan, te induce en realidad a que encares el disco y lo escuches atentamente. Quizás es una sentencia que alude al no encasillamiento del estilo que predomina en la banda, tan necesario a veces para distinguirte o unificarte dentro de la movida local. Quizás es porque de tantos géneros e influencias que abarcan, la misma banda no sabe como llamarlo.

El Barco del Abuelo es también el título de un libro escrito por Michael Catchpool. Un libro que relata la muerte de un abuelo y la recuperación de su latente memoria, a través de la restauración de su viejo y olvidado barco. No se si existe alguna conexión directa con la banda, pero si una posible analogía donde sus integrantes, cuando se suben a este gran navío que crearon hace unos años, logran recuperar en una sola esencia todos los estilos y subgéneros musicales que poseen en su memoria colectiva. Dub, reggae y un poco de rock, acompañado por tintes de música latina y variantes de la electrónica, como el psychedelic, el trance y las influencias tribales. Un amplio abanico no tan incursionado por otras bandas y que como estilo único, no sé como llamarlo.

Pablo Margherita (bajo), Alejandro Rodríguez (batería), Mauricio Velásquez (guitarra), Pablo Rodríguez (percusión) y otros ya ex-integrantes, ingresaron a principios del 2007 a grabar su primer álbum llamado Siete Sentidos, siendo producidos por el creciente Eko Estudio. Se destaca en la obra la buena calidad de sonido, y el preciso trabajo de mezclas en el entramado de 9 canciones casi íntegramente instrumentales. Música despreocupada, sin mucha rigurosidad técnica, donde el efecto delay en altas cantidades, el eco, la reverberación y el abusivo wah-wah son una marca registrada. Una fuerte predominancia de extensos solos de guitarras y mucha percusión, aunque con una evidente búsqueda de nuevas ideas le agregan otro sello. Una crítica en general apunta a las líneas de bajo siempre previsibles. ¿Podrían ser más jugadas dentro del dub/reggae?

Haciendo un hilado mas fino, hay dub en máxima expresión (Lo que siempre hay que hacer), y con toques arábico españoles (Turko Dub). Mucho aire latino, con lugares selváticos y tribales, con un Carlos Santana con menos años y más vuelo (Es buenísimo), o con embates caribeños acompañados de corrientes brasileñas, devenidas en coros disfrazados que intentan acentuar melodías (Solo soy). El sonido de añejos sintetizadores también tiene cupo (Psycotropico) y saca el barco a darse una vueltita por el espacio exterior. Hay reggae con colorantes de rock clásico, influencia del London Calling de los Clash (Naty Dread), único tema con letras que parece estar agradeciendo, entre otras cosas, el buen fruto de semillas sagradas. Por último, el porcentaje ocupado por el costado más electrónico. Tanto en las bases como en las melodías, y en donde se anidan fuertes guitarras, se vislumbra un hijo lejano del psychedelic trance, esta vez en esencia natural (Osea No/Conde). Una aproximación musical novedosa que se distingue ante el resto como si fuera un subgénero conjugado y refinado por la propia banda.

Siete Sentidos se presenta como un laboratorio, donde mucho se mezcla dada la fuerte memoria musical del grupo, incitando a que se disparen todos los sentidos posibles. Una especie de droga de diseño que al consumirla, te lleva a viajar y a conocer otros ámbitos de la sonoridad. Eso si, siempre en cámara lenta.

Federico Rodríguez Lescano

Más información en www.myspace.com/elbarcodelabuelo